Iggy Pop, pionero del punk rock a raíz de sus salvajes performances, que incluían laceraciones y la entonces novedosa práctica del stage diving -arrojarse desde el escenario al público- cumple este jueves 75 años, los cuales celebrará en medio de la preparación de una nueva gira durante el verano europeo.
Dueño de un carisma inigualable y una cautivante voz cavernosa, La Iguana, apodo con el que se lo conoce desde sus inicios a finales de los ´60 junto a la banda The Stooges, transitó más de 50 años de trayectoria con una presencia permanente en los primeros planos, más allá de altas y bajas artísticas y personales.
Pero acaso lo más importante es que Iggy Pop se ha ganado un respeto y un cariño generalizado, y ha sido tomado como un referente ineludible para el movimiento punk y para las bandas de garage.
Oriundo de Michigan, James Newell Osterberg Jr., tal su nombre de nacimiento, mostró desde muy chico su interés por la música, lo cual contó con el respaldo de sus padres, quienes le facilitaron las herramientas para que pueda estudiar batería.
Así creó algunas bandas adolescentes, entre ellas The Iguanas que le daría uno de sus famosos apodos; hasta que influenciado por el blues de Chicago y algunos sonidos radicalizados que provenían de Detroit, como el caso de los politizados MC5, formó Psychedelic Stooges, banda que luego reduciría su nombre a The Stooges.
El nombre del grupo, según contó al propio Iggy Pop, estuvo inspirado en la famosa serie televisiva "Los Tres Chiflados". "No me importa. Pueden usar el nombre que quieran mientras no se hagan llamar `Los Tres Chiflados`", cuentan que replicó el mismísimo Moe cuando lo contactaron para pedirle permiso para llamar así a la banda.
Así, la banda comenzó a ganar terreno con su rock garagero psicodélico y las impactantes performances de Iggy Pop -influenciadas por sus admirados James Brown y Mick Jagger, caracterizadas por sus contorsionados movimientos al bailar, los cortes que se hacía en el cuerpo con vidrios, la exhibición de sus genitales en varias ocasiones y, fundamentalmente, por sus zambullidas al público, lo cual inspiraría años más tarde al movimiento punk.
Con tres disco editados -el último de ellos "Raw Power" producido por David Bowie- y éxitos como "I Wanna Be Your Dog", "No Fun" y "1969", el grupo se disolvió a mediados de los `70 principalmente por problemas de adicciones que atravesaron a varios de sus miembros, especialmente al propio Iggy Pop. Hubo algunos regresos esporádicos, el último de ellos en 2013 con el disco "Ready to Die".
La necesidad de desengancharse de la heroína y su amistad con Bowie iban a derivar en su etapa más recordada a nivel artístico. Es que ambos artistas -el Duque Blanco también estaba en su punto más alto de consumo de cocaína- decidieron mudarse a Berlín para desintoxicarse y, de paso, buscar nuevos horizontes artísticos.
El resultado fue la edición de los discos "The Idiot" y "Lust for Life", los dos trabajos más aclamados de La Iguana, con clásicos como "Nightclubbing" y "Lust for Life", que tuvieron nueva vida en los `90 al ser parte de la banda sonora del icónico filme "Trainspotting"; "The Passenger", reversionada más tarde por Siouxsie and The Banshees; "Some Weird Sin"; "China Girl" y "Tonight", revisitadas en los `80 por Bowie, entre otras.
The Passenger, un clásico de "La Iguana"
Pero en paralelo a eso, tanto en Nueva York como en Londres tomaba forma el movimiento punk, que postulaba a la postura escénica de Iggy Pop como gran ejemplo a seguir. No es casual que los Sex Pistols hayan cerrado su última actuación antes de su desintegración con "No Fun", toda una declaración de principios pedida prestada a La iguana.
Desde entonces, con su pergamino bien ganado como pionero del punk, Iggy Pop continuó con su andar con altas y bajas, aunque siempre se las ingenió para colar cada tanto algún gran disco, alguno gran éxito y para mantenerse al tanto de las novedades a partir de su unión con músicos más jóvenes.
Así como en los `80 popularizó hits como "Real Wild Child" o "Living on the Edge of the Night"; en los `90 sonó con fuerza con el disco "Brick by Brick" y su corte de difusión "Candy", junto a Kate Pierson, de B-52`s; y hace pocos años atrás llamó la atención su unión con Josh Homme, líder de Queens of the Stoge Age, en el disco "Post Pop Depression". También se consagró como el "crooner del punk" al registrar "Après", un disco de baladas francesas standards.
Con 75 años, Iggy Pop cambió las drogas por los jugos naturales y la práctica de milenarias disciplinas orientales, a la vez que afirma haber abandonado el stage diving por una simple cuestión de edad, aunque en escena se sigue contorsionando igual que a los 20 años. También se mudó a la soleada Miami y planea desde allí su nueva gira europea acompañado por una cacatúa con la que suele estar acompañado cada vez que sube un video casero a sus redes sociales. Curiosamente, el hombre que de joven cantaba "No Fun" nunca dejó de divertirse.
El mundo de la música se paralizó hace unas horas con la noticia del deceso de Eddie Van Halen. El cáncer se llevó a aquel chico de Ámsterdam que revolucionaría el rock con ese talento casi divino con la guitarra.
Hijo de músicos, formó en 1972 junto a su hermano Alex la banda Van Halen. Fueron los que convirtieron a California en la nueva capital mundial del rock. Se podría decir que gracias a ellos el rock terminó por convertirse en el género más popular del mundo y le pusieron la banda sonora a la década más entrañable de la historia: los ochentas.
Esto no es más que una recapitulación de 10 temas indispensables para conocer su trayectoria, legado y entender porque su partida sacudió al mundo:
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Jump
No podríamos dejar de lado este tremendo clásico y quizá el tema más representativo de su banda. Es Jump todo lo que necesitabas saber para ponerte a hacer rock.
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Hot for teacher
Este es un capricho personal, pero no deja de ser una de las piezas más representativas de la banda. Como comenté antes, es Van Halen el prototipo de todo lo que sería luego el Glam Metal. El rock jamás había sonado (y visto) tan sexual, y eso era genial.
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You really got me
Esta versión del clásico de The Kinks permitió a Van Halen mostrarse al mundo. La voz de David Lee Roth, pero sobre todo la guitarra de Eddie, suenan especialmente increíbles esta vez.
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Eruption
Demasiado se puede hablar de esta obra del disco homónimo de la banda. Pero me quedo con su versión en vivo, que, si bien es tan espectacular como en otros temas, el misticismo que emana esta versión en particular es totalmente envolvente. Una droga auditiva en todo el sentido de la palabra.
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Panama
Lo sigo repitiendo. Es gran culpable Van Halen de que el rock se haya vuelto el más popular del mundo en su momento. Esta pieza del álbum 1984 fue top mundial y marcó el estilo de vida anhelado por los jóvenes de la época.
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Dance the night away
Quizá el single más melódico de la banda. Se puede percibir toda la influencia recibida del hard rock inglés.
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Sunshine of your love
Y si hablamos de influencias musicales, no podría dejar pasar este tremendo clásico escondido. Una performance del mismísimo Eddie haciendo un cover al tema más representativo de Cream, una banda que lo marcó de por vida.
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The Top Gun theme
Eddie ha participado en innumerables proyectos, y el cine no le fue ajeno tampoco. Uno de los soundtracks más entrañables fue interpretado por él. Una exquisitez por donde se le escuche.
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Beat it
Media hora en un estudio de grabación y directo al disco. ¿El resultado? Uno de los mejores riffs y solos de todos los tiempos.
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Runnin’ with the devil
El primer single del primer álbum. En otras palabras, el tema que lo inició todo. Catalogada como una de las canciones más grandiosas de todos los tiempos, Runnin’ with the devil es con la que me quedo para recordar al gran Eddie. Gracias por todo.
Un 15 de Octubre, George Harrison junto con Phil Spector, empiezan la mezcla final del album «All Things Must Pass» («Todas Las Cosas Deben Pasar»), en el año 1970.
Fue en un estudio cerca de la estación Marylebone, que se inmortalizó a través del filme de 1964 «A Hard Day’s Night» («La Noche De Un Día Duro»).
Después de la declaración pública sobre la separación de The Beatles el 10 de abril de 1970, los miembros de la banda se dedicaron a trabajar en sus proyectos como solistas, grabando material fresco. En el caso de George, la cantidad de canciones que había compuesto y que no habían sido publicadas a lo largo de toda su estancia en The Beatles, fueron suficientes para iniciar la construcción de un nuevo lanzamiento, que incluía tres discos de vinilo.
Harrison enseñó sus canciones a Phil Spector en los estudios Abbey Road el 20 de mayo de 1970, dejándolo sorprendido por el nivel de calidad como compositor que había conseguido hasta ahora, y en la cantidad de piezas reunidas.
El proyecto fue construido a partir de las canciones que no habían sido incluidas dentro del repertorio de los álbumes de The Beatles, pero que poseían bastante potencial. A muchos impactó de manera positiva el material producido por George, ya que en sus inicios fue subestimado como compositor, siendo la sombra John Y Paul en The Beatles; quienes en diversas ocasiones ignoraros sus composiciones o no quisieron incluirlas en sus discos.
El álbum triple de Harrison fue todo un éxito, a pesar de los rechazos previos, lo cual, nos deja de moraleja que no todas las personas van a poder apreciar la genialidad de una obra desde su inicio. A lo largo de nuestras vidas nos encontraremos con personas que no creerán en nuestro talento como profesionales o artistas, ya que por naturaleza, la mente humana suele percibir una pequeña parte de lo que recibe a través de sus sentidos, lo que ocasiona que las críticas sean realizadas dentro de un espectro limitado, alterando nuestra percepción sobre las piezas de nuestro entorno.
¿Consideras que George Harrison superó a The Beatles como solista en cuanto a composición musical? Mi nombre es Jimmy Bets, y les recuerdo que las opiniones son solo una pequeña parte de la realidad, ustedes tienen la última palabra y la voluntad para actuar a consciencia.
Si les gusta el rock, les compartimos este cover de The Beatles. I Am The Walrus
Un 22 de Octubre, The Beatles terminan de grabar la canción «Nowhere Man» («Hombre de ningún lugar»), en el año 1965, en Londres, Reino Unido.
La canción fue incluida en el álbum «Rubber Soul» («Alma de goma»), y el en álbum recopilatorio «Yesterday and Today» («Ayer y hoy»).
Esta pieza musical fue una de las primeras que no giró en torno a una temática romántica, sino, que se dirigía a un ambiente filosófico, propio de John Lennon, idea que surgió de manera simultánea en una etapa en donde a la banda se le estaba exigiendo componer nuevo material para comenzar la grabación de un nuevo disco que se publicaría en la navidad de 1965. Ante tal presión, Lennon reflexionaba acerca de su propósito tanto en la banda, como también en su propia vida, llevándolo a pensar que él era un «hombre de ningún lugar», «sentado en ningún lugar» y que «no sabe a dónde va». Replanteando su premisa para adaptarla a una canción, se encargó de crear la musicalización, y compuso la letra en relación a su pensamiento.
En la grabación podemos encontrar versos como «just sees what he wants to see» («sólo ve lo que quiere ver») y que «don’t know what he’s missing» («no sabe lo que se pierde»). Existen miles de interpretaciones que se pueden proporcionar entorno al significado de la composición, pues solo se arrojan pequeñas pistas, y nunca se especifica de quién se habla en concreto. Es probable que John pensara que él era un hombre de ningún lugar, debido a un pensamiento trascendental (característico de las ideologías en las que Lennon comenzaba a interesarse), ya que todo lo que conforma a su persona y todo lo que se sabe de él, son solo cuestiones efímeras (pues es bastante probable que dentro de billones y billones de años, la información histórica pueda perderse o alterarse por diversas circunstancias).
Un hombre de ningún lugar puede tratarse de mí o de ti, tomando en cuenta el carácter reflexivo de la canción, en donde se describe a un tipo que no sabe a dónde va. En un sentido más amplio, esta idea puede entenderse como la concepción que tiene el humano frente la vida, pues ante la inminente necesidad de desarrollarse en un ambiente establecido por una sociedad, es obligado a actuar rápidamente y a generar sus propios códigos y pensamientos en función de los individuos, olvidando de este modo su verdadera razón de ser, y apegándose a un estándar que la comunidad considera como correcta.
La pregunta es, ¿uno es quien piensa que es, o somos lo que los demás nos dice que debemos de pensar de nosotros mismos? Es decir, todo lo que sabemos de nosotros, está basado en una estructura construida y sostenida por la sociedad, lo que parasita la percepción real de lo que somos. Nos vemos a través de diversos lentes con diversos filtros cada uno. Ninguno de ellos somos totalmente nosotros, ya que se encuentra alterado por la crítica fragmentada, y no de un todo.
¿Eres realmente quien piensas que eres, o eres solo la ilusión creada por los demás a tu alrededor? Mi nombre es Jimmy Bets, y les recuerdo que a veces nuestra mente puede mentirnos sobre nosotros mismos si solo observamos de manera fragmentada y dualista nuestro ser.
Si les gusta el rock, les compartimos este cover: ♥♠ A Day In The Life – The Beatles (Cover) ♦♣:
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