Parlophone Records, 2005

“El desastre ha de ser descrito de forma más realista como un proceso de degradación ya iniciado, extremadamente intenso, que se acelera de forma creciente y que es en muchos aspectos irreversible”

(Danowsky y Viveiros, 2019: 24, ¿Hay mundo por venir?)

Hablar del fin del mundo siempre supone bifurcaciones y ambivalencias interpretacionales. Por un lado, emerge el miedo a lo incierto, a lo desconocido, a lo alterno; mientras que por otro lado, también emerge una especie de tranquilidad como resultante del fin a la vida agobiante tal y como la conocemos. No obstante, como línea transversal, es que el tópico “fin del mundo” siempre tiene una carga reflexiva y crítica que nos posiciona como humanidad en el centro de la responsabilidad del detrimento socioambiental, y es de esto lo que nos nutre Demon Days.

Uno de los tópicos más relevantes que caracteriza a la banda animada es la construcción narrativa de cada propuesta. Una generativa que una que comprende tanto la creación arquetípica de cada personaje, como también las historias que van a dar sentido a cada lanzamiento de Gorillaz. La profundidad de cada detalle es que hace de este proyecto artístico, uno de los más complejos a nivel creativo, ya que posiciona como relevante la constante conexión y abstracción de contexto, los nuevos sonidos, pero también la oscilación y amplitud desprejuicida de lo inspiracional.

Cerca de 17 años han pasado desde el lanzamiento de Demon Days, y para ser sincera, en 17 años el mundo sigue -tanto o más- sanguinario que lo criticado en aquel 2005. Con 15 tracks contenidos en un margen de casi 51 minutos, es que 2D, Murdoc, Russel y Noodle nos llevan a un viaje tan distópico como la crisis política y social de Gilead, en The Handmaids Tale. Un viaje a un contexto post-apocalíptico, donde la destrucción, desolación y devastación es multivariable.

Con una fuerte articulación creativa vinculada al movimiento punk “No Future” de mediados del siglo XX, es que iniciamos esta experiencia multisensorial con la siempre bien ponderada “Intro”, una que con una fuerte carga sensitiva nos permite dar cuenta de que nos encontramos en un espacio estéril, oscuro e incierto. Continuamos con “Last Living Souls”, track que evidentemente nos da un primer alcance de la historia que estamos por conocer, porque “Take a gun or how you say? That’s no way to behave”, da cuenta de que este LP representa aquellos espacios colonizados por la muerte en subalternidad.

¿Quién es Dirty Harry?, ¿a qué nos referimos?, ¿de qué hablamos?… Muchas son las dudas respecto al real mensaje de tan potente track, que cuenta con la colaboración de niñas, niñes y niños del Coro de San Fernández y Bootie Brown. No obstante, se hace latente el guiño a una preocupación constante a las infancias, al dolor, a la pobreza. Porque las guerras robustecen la ambición de una élite descompuesta y sin alma que deja a “The poor people are burning in the Sun. But they ain’t got a chance, They ain’t got a chance”.

Continuamos con “Kids With Guns”, track donde la inspiración hip hop se manifiesta a tal punto, que la metáfora de violencia trasciende a la consolidación de la monstrificación de las infancias y humanidades corrompidas por el poder de las armas. Luego seguimos con “O Green World”, casi como una sátira al recuerdo de aquel mundo forestado, una aproximación a la aniquilación y muerte, es que llegamos a “Dirty Harry”, probablemente la canción más controversial a nivel político, puesto que la imagen de Bush y la guerra de Irak no pasan desapercibidos al ojo crítico de Damon Albarn.

Llegando al segundo bloque del álbum, nos encontramos directamente con la dialéctica sonora y emotiva de Demon Days, puesto que con la irrupción de “Feel Good Inc.” el cuarteto digital esboza que hemos llegamos a uno de los tracks más poperos del álbum, pieza que por lo demás fue el primer adelanto con el que se dio a conocer este disco. No obstante, seguimos con “El Mañana”, casi como una antítesis de “Feel Good Inc”, esto porque “El Mañana” nos recuerda que el amor, los afectos y la emotividad son aquellos albores que dan vida a la diversidad de la existencia. La esperanza ante el miedo, son verdaderos escudos ante la desolación del mundo construido en Demon Days, que para nuestra sorpresa, también se hace extensiva a nuestra realidad cotidiana.

“Every Planet We Reach Is Dead”, “November Has Come” y “All Alone” son realmente la trilogía indisociable de este LP. Tres variables concretas que dan cuenta de la perspectiva crítica de Damon respecto a la crisis socio-humanitaria de la que somos protagonistas. Por un lado “Every Planet We Reach is Dead”, apela constante e invariablemente a sensación de desorientación y desasosiego. Por otro lado “November Has Come” es la profundización argumental de la reflexiva competitiva imperante en las interacciones establecidas y conversaciones mal intencionadas. Y finalmente “All Alone” se transforma en el resultante de la articulación de los tracks antecesores, destacando observación activa a la soledad como establishment de lo social.

El último bloque de este gran LP que fue pensado y ejecutado como crítica a un contexto específico, hoy es una pieza atemporal que sigue trascendiendo contextos, espacios y situaciones. “White Light” es la encargada de dar inicio al ciclo final, con una apuesta minimalista y armónicamente rimbombante, abriendo paso a la estocada Dance-pop con “DARE”. “Fire Coming Out of the Monkey’s Head” aparece como una analogía crítica a la profundidad del daño a las guerras, donde la irónica metáfora “The dance of the dead” es realmente una perspectiva detractora y realista a la muerte en masa, a la devastación y al poder.

Finalmente “Don’t Get Lost In Heaven” abre paso a “Demon Days”, track que dio origen al nombre de este disco. “Demon Days” puede ser considerada una conclusión a una narrativa directa y elocuente a un contexto, pero también tiene la suficiente carga emotiva capaz de cerrar esta propuesta postapocalíptica como constructo articulador de nodos críticos de lo social. “Demon Days” como track también es resistencia, también es amor, y también es motivación. El amor propio es sin duda uno de los tópicos más complejos de abordar en el contexto actual, no obstante la grandilocuencia compositiva de Albarn nos invita a cuestionarnos sin tapujos: ¿Esperaremos que los “Demon Days” nos obliguen a mirar con rencor todo el amor que carenciamos de nosotras, nosotres y nosotros mismos?

Columbia, 1980

El punk y el disco desaparecieron de las listas, al tiempo que la new wave iniciaba su reinado. Sin embargo, hacia 1979, y en el terreno que Margareth Thatcher quería invisibilizar, empezaba a crecer con fuerza la New Wave of British Heavy Metal, marca con la cual bandas muchos británicos empezaron a aglutinar la rabia y la desesperanza de una generación.

Judas Priest llevaba casi una década haciendo metal, con letras generadas desde la impronta sabbathiana; sin embargo, los liderados por Ozzy fueron evolucionando hacia el hard rock, dejando el nicho puramente metalero con un camino ya iniciado y que podría ser fértil para la siembra de otras bandas. Y ahí mismo fue donde Judas Priest plantó sus semillas, las que germinaron vigorosas en abril de 1980 cuando lanzaron “British Steel”.

Este es un disco que se ha impuesto en la historia como un antes y un después, e incluso muchos críticos lo consideran el punto de partida de la NWOBHM. Este álbum llegó muy lejos y se distingue por su sonido duro, afilado y mucho más veloz que el de los discos anteriores de la banda y de todos los producidos en Inglaterra. “British Steel” se grabó en un estudio de Ringo Starr en 28 días, usando la tecnología analógica que estaba disponible; por eso, el trabajo encabezado por Tom Allon es magnánimo. Y qué decir de los bastiones que de allí se desprendieron.

“Breaking the Law” es un himno que se clavó como un imprescindible para el metalero de cepa. Su riff principal es perfecto y ha sido base creativa para cientos de bandas posteriores, mientras que su estribillo lo define como un himno antiopresión. Hicieron su primer video reventando tímpanos con la guitarra y con Halford doblando barrotes; por su concepto de ritmo de base, se podría poner al lado de “Smoke on the Water”, donde la simpleza instrumental enganchaba con la ira de la clase obrera. “Rapid Fire” es pura velocidad y furia de Holland, quien da inicio a la batalla de riffs entre Downing y Tipton al estilo de la vieja escuela, con puro sentimiento, y un Rob Halford sensacional. “Metal Gods” hasta hoy se mantiene como parte del setlist básico porque la esencia se desprende de su ritmo contundente y sus guitarras afiladas. Demás está decir que Halford es esta canción.

“Grinder” es un track muy heavy gracias a sus riffs abrasivos, al tiempo que Rob le da un estilo cimentado en potencia. “United” se convertiría en otro himno gracias a su dinámica y su estribillo fantástico; unas guitarras que acaban con todo lo que se ponga a su paso, tanto así, que en vivo te puede hacer llorar. “Living After Midnight” es otro trallazo decisivo, que con los años se ha transformado en el mejor resumen de la naturaleza de Judas Priest; por eso mismo es la más versionada del grupo, aunque ninguna de ellas se acerca siquiera a darle sombra a la original. “You Don’t Have to Be Old to Be Wise” es puro power, gracias a su mensaje y el solo destructivo que lo compaña.

“The Rage” es un medio tiempo con una interesante intro de bajo de Ian Hill, tras el cual las guitarras se convierten en una marcha abrumadora. Y “Steeler” es un rapidísimo tema, que hoy suena totalmente old school, y cierra el disco con broche de oro. Este breve resumen refiere a aspectos del metal fundacional, ese que actualmente no se hace y al cual terminamos recurriendo con frecuencia, estampando la trayectoria de “British Steel” como memorable.

La portada del álbum la diseñó Roslav Szaybo. Para crearla, se basó en la imagen de una empresa siderúrgica británica llamada British Steel. Con motivo del 30° aniversario el diseño fue retocado, añadiéndosele unas gotas de sangre que no aparecían en el original de 1980. Enlazando la imagen con el contenido, el metal generado por Judas Priest, instrumentalmente, no era tan nocivo comparado con la crítica que contenía en su lírica, la cual apoyaba a la multitud de obreros de Birmingham que habían quedado sin trabajo tras las reformas liberales de Thatcher.

Un brutal asalto de dobles guitarras gracias a la labor prodigiosa de Glenn Tipton y K. K. Downing. Y la interpretación de Rob Halford que, tras el disco, se transformó en figura a imitar y hoy ya es leyenda, casi a la altura de Ronnie James Dio o Lemmy. El sexto álbum de Judas Priest alternó gloriosos himnos que iban a definir el panorama de los ’80 para un sinnúmero de bandas en todo el orbe, varios de ellos precursores del thrash que nacería pronto. Todo en “British Steel” da origen a algún mito que personifica el género metal, tanto en lo creativo como en lo estético, sino que hablen los cueros y las cadenas.

La especialista en grabado expone en La Caja de los Trebejos, junto a más de 120 talentos, durante los fines de semana del 14 de abril hasta el 8 de mayo.

“Una de las técnicas de grabado que presentaré es  ́taco perdido ́ donde trabajo con varias capas de colores, y con unas guías donde se talla la matriz y se realizan las diferentes estampas. También, presentó un grabado con xilografía y cuatro cuadros que comencé en 2020 con linoleografía y técnicas mixtas”, detalló la artista que nació en Lomas de Zamora y actualmente vive en Potrero de los Funes donde tiene su atelier.

Acerca del 1º “Salón de Arte San Luis 2022” Levin compartió: “Es una muestra que hace mucho no se ve en la provincia. La idea es que no sea la única presentación, sino la primera de muchas”.

“El artista cierra su obra cuando la mira el espectador. Nosotros a través de los cuadros contamos historias y lo que nos sucede, dolores, alegrías, tristezas para que también otra persona se sienta identificada o reflejada”, agregó Calvi quien hace dieciséis años brinda clases de arte en escuelas primarias y secundarias.

Nota: Prensa Secretaría de Cultura. 

El Gobierno nacional confirmó la fecha de pago de $6.000 para jubilados. Este bono se pagará en una fecha distinta que la prestación y lo recibirán cuatro grupos diferentes

La Administración Nacional de Seguridad Social ( Anses) se prepara para continuar con el calendario Anses abril 2022 para la Asignación Universal por Hijo (AUH), por Embarazo (AUE), jubilados y pensionados, entre otras prestaciones que cobran sus haberes a través del organismo previsional.

Además de dichas prestaciones, también existe la posibilidad de solicitar diferentes beneficios, como es el caso del ingreso extra para AUH y AUE, la entrega de computadoras gratis pertenecientes al Conectar Igualdad, el pago de $39.940 a mujeres, o el Plan Mi Pieza que otorga hasta $240.000.

En este sentido, el Gobierno confirmó en los últimos días un nuevo bono para jubilados y pensionados, con el objetivo de acompañar a este sector frente a la inflación y la suba de precios de los alimentos registrados en las últimas semanas.

El nuevo bono se suma a otras políticas de apoyo económico que se otorgan a través del organismo, como el Complemento Mensual del Salario Familiar para la Asignación Familiar por Hijo (SUAF) o las Becas Progresar 2022, que tienen sus inscripciones abiertas hasta fin de mes.

Bono de $6000: ¿quiénes lo cobran?

Aquellas personas que perciban el haber mínimo jubilatorio y cobren a través de la Anses podrán acceder al bono de $6.000. El requisito es tener un ingreso previsional entre 32.630 pesos y 38.630 pesos.

Lo podrán recibir todas aquellas personas que cobren:

. Jubilación

. Pensión

. Pensiones No Contributivas

. Pensión Universal para el Adulto Mayor (PUAM)

Cuando pagan el bono de 6000 a los jubilados

El bono no se paga en la misma fecha que las jubilaciones y pensiones; estas son sus fechas de cobro según la finalización del DNI:

. DNI finalizados en 0: 18 de abril

. DNI finalizados en 1: 19 de abril

. DNI finalizados en 2: 20 de abril

. DNI finalizados en 3: 21 de abril

. DNI finalizados en 4: 22 de abril

. DNI finalizados en 5: 25 de abril

. DNI finalizados en 6: 26 de abril

. DNI finalizados en 7: 27 de abril

. DNI finalizados en 8: 28 de abril

. DNI finalizados en 9: 29 de abril

Cuando cobran los jubilados abril 2022

Este viernes empezaron a cobrar sus haberes las personas con ingresos menores a la barrera de los $36.676.

Jubilaciones y pensiones con haberes inferiores a $36.676

. Documentos terminados en 0: viernes 8 de abril

. Documentos terminados en 1: lunes 11 de abril

. Documentos terminados en 2: martes 12 de abril

. Documentos terminados en 3: miércoles 13 de abril

. Documentos terminados en 4: miércoles 13 de abril

. Documentos terminados en 5: lunes 18 de abril

. Documentos terminados en 6: martes 19 de abril

. Documentos terminados en 7: miércoles 20 de abril

. Documentos terminados en 8: jueves 21 de abril

. Documentos terminados en 9: viernes 22 de abril

Jubilaciones y pensiones con haberes superiores a $36.676

. Documentos terminados en 0 y 1: lunes 25 de abril

. Documentos terminados en 2 y 3: martes 26 de abril

. Documentos terminados en 4 y 5: miércoles 27 de abril

. Documentos terminados en 6 y 7: jueves 28 de abril

. Documentos terminados en 8 y 9: viernes 29 de abril

Se llama Gabriela Laura Gómez Giusto, en los 90 firmaba como “La 99”, y ahora como Lala GG. Es la diseñadora detrás un ícono del rock argentino: un ojo entre hojas de marihuana que engalana camisetas, tatuajes, banderas en la cancha, paredes, roperos. Pero como tantos otros ilustradores imprescindibles para contar la historia de la música en imágenes, nunca vio un peso por regalías. Gabriela es Diseñadora Gráfica de profesión, egresada de la Universidad de Buenos Aires, y fue la encargada de hacer los diseños, gráfica de toda la discografía de Viejas Locas y también de gran parte de la estética de los shows. 

“El logo real, el que dice Viejas Locas, lo realicé tomando como referencia las letras que usaba Pity para hacer grafitis en las calles de la Ciudad de Buenos Aires y alrededores”, le contó Gaby a Leo Ros para el programa Santos Pecadores (conducido por Mareke y Hache) de la KW Radio de Barcelona. La ilustradora y muralista explicó que el ojo con las hojas alrededor salió después de una noche de gira con la banda del Pity Álvarez: “Junto con Roy, mi actual esposo, que era el fotógrafo de la banda, estábamos diseñando el arte del primer disco, nosotros éramos parte de la banda, en cuanto a lo que era fotografía y diseño, entonces los chicos nos proponen hacerlo. Ya teníamos las fotos, pero nos faltaba algo y no sabíamos qué, porque le queríamos dar un toque diferente. Una noche va la banda a hacer un show a Arpegios, vamos con ellos como siempre, surgió en el momento tomar un LSD y esa noche la pasamos espectacular”. Con el efecto encima, Gaby se inspiró: “Al regreso no teníamos mucho sueño así que yo me puse a dibujar, que era algo que hacía habitualmente, y ahí surge esa misma noche el ojo intoxicado”. 

El arte del primer álbum de Viejas Locas se caracterizó por una serie de dibujos que hacían alusión a cada uno de los temas. “Nena me gustas así”, “Botella”, “Tornillo eterno” y “Eva” tuvieron su propia ilustración. También “Intoxicado”, el tema que daría nombre a la banda que el Pity fundó después y cuyo dibujito quedó pegado para siempre a Viejas Locas. Todo empezó esa noche viajada. “Consulto con Roy y ahí decimos ‘estaría bueno hacer un dibujo para cada uno (de los temas)’. Empecé a tirar bocetos y ahí es cuando al otro día nos comunicamos con Pity y el resto de la banda y les hacemos la propuesta de hacer un dibujo, un diseño para cada letra, y les encantó la idea”, recuerda Gaby. La diseñadora dice no saber el motivo por el cual no volvieron a imprimir el librito con todos las ilustraciones como en la primera edición, pero la alegra que sus creaciones siguen vigentes: “Están en un montón de remeras, de banderas, así que muy contenta de que la gente lo haya elegido al ojo como símbolo de la marca, como el logo de Viejas Locas”. 

Lala se alejó del rock y de la noche cuando se convirtieron en padres con el que hoy es su marido, y también porque la banda se desintegró y el Pity fue tomando otros caminos. Aunque su marca quedó registrada en mil lugares, pasó tiempo hasta que se dio cuenta de lo importante que había sido ese ojo: “Recién tuve conciencia de que había sido una imagen icónica hace unos seis años. Para mí fue muy interesante saberlo y muy reconfortante, por supuesto. Me reconcilié un poco con Viejas Locas, porque como siempre digo, y es lo mismo que dice el manager, Ricardo Fonzo, que es una banda que fue un poco marginada justamente por provenir de una zona marginal, del borde de la Ciudad de Buenos Aires, y fue un poco discriminada. Yo incluso trabajé durante muchos años presentando mi currículum sin poner que había hecho estos diseños”. 

Escuchá parte de la entrevista: en Santos Pecadores, de KW Radio:

En junio de 1968 Diane di Prima había dejado atrás Nueva York y se había instalado en San Francisco, en una casa de catorce habitaciones, con sótano y patio, donde una decena de amigos, más algunos «que acababa de conocer» y un par de parejas con siete niños se habían instalado también. Por entonces, Di Prima, que tenía 34 años, había publicado ya varios libros de poesía –Los pájaros de esta especie vuelan hacia atrás, El nuevo manual del cielo o Poemas para Freddie– y estaba en el punto de mira del FBI por el contenido obsceno de varios de los versos que había publicado en el boletín literario The Floating Bear. 

«Llevaba una vida esquizofrénica. Todas las mañanas me iba a meditar al Centro Zen de la calle Bush, así que me acostaba a las diez, mientras abajo la gente bailaba en el salón con las botas puestas o celebraba conferencias sobre la guerra: se hablaba de dónde dejar a los niños cuando empezaran los tiros», rememora la propia escritora en el epílogo de Memorias de una beatnik.

El libro era un encargo de un viejo conocido, un editor francés, Maurice Girodias, para quien  la poeta había trabajado ya anteriormente componiendo algunas escenas de sexo para incluir en novelas de otros.  Concebido para pagar las facturas y el alquiler, como ella misma reconoce aquella era la primera vez que escribía «un libro así» por dinero. «Así que, después de meditar por la mañana y almorzar comida macrobiótica, me sentaba frente a la máquina de escribir, junto a aquella ventana que parecía un regalo de los dioses, y repasaba páginas y páginas de recuerdos, mientras en la habitación entraba y salían Panteras Negras y Panteras Blancas, Ángeles del Infierno, loros, grupos de rock, camellos chinos e indios de todo tipo, niños sin pañales», comparte. Cuando las páginas no eran suficientes, su editor contestaba con una simple indicación: «Más sexo». 

Una biografía poco común

Y Di Prima, que en estas memorias fantasea, inventa y recuerda, cumplió. Desde la primera vez de su protagonista hasta la tórrida escena sexual del final –una orgía en la que participan también otros iconos de la Generación Beat como Jack Kerouac y Allen Ginsberg–, en Memorias de una beatnik, que ahora rescata Las afueras con traducción de Luis Rubio, el sexo es el hilo conductor del retrato de una época: las convulsiones políticas y sociales de década de los 50 y 60 en Estados Unidos, el descubrimiento de las drogas, la liberación sexual, la experimentación y el surgimiento del movimiento Beat. 

Pero, aunque están lejos de ser unas memorias al uso, Di Prima se inspira en sus propias vivencias y encuentra espacio para rememorar en estas páginas sus propios orígenes. Nacida en 1934 en una calle casi marginal de Brooklyn, de padres norteamericanos, sus abuelos eran italianos. «Teníamos el patio lleno de parras y tomateras. Tenía diecisiete tías, el mismo número de tíos y veintidós primos que me habían enseñado a considerar hermanos y hermanas. Mis abuelos no sabían leer ni escribir, pero mis padres, con inflexible determinación, habían logrado estudiar y se habían convertido en ‘profesionales’», escribe.

De su breve paso por la universidad, que abandonó para irse a vivir con dos amigas, la escritora se nos muestra como una mujer libre e independiente, que experimenta con el sexo y las drogas, mientras va encadenando un trabajo tras otro para sobrevivir. De posar desnuda para fotografías eróticas hasta el absurdo encargo de fingir ser la amante en la cama de un hombre, con el beneplácito de su mujer, para que la ley les concediera el divorcio a ambos, con tono de humor, la poeta comparte además que, sin dinero y sin alquiler, durante un periodo de su vida durmió a la intemperie en el parque de Washington Square y trabajó de modelo para pintores. 

«Eran personas agradables y amistosas que habían crecido durante la Depresión y que habían comenzado a practicar lo que en los años treinta se había dado en llamar ‘realismo social’, gente que tenía la sensación, triste y persistente, de que el mundo había cambiado desde su época, y buscaban con amable determinación el modo de descubrir en qué consistía aquel cambio», analiza agudamente. 

Los inicios de la Generación Beat

Entre los múltiples trabajos que la poeta enumera, fue cuando ejercía de librera por un mes cuando «descubrió» a la Generación Beat. «Entró un cliente y preguntó por La dama vestal de Brattle, el primer libro de Gergory Corso, que acababa de editarse en Cambridge –narra–. Por aquel entonces, todavía no se hablaba de poesía beat; así que se trataba de un libro de poemas como cualquier otro. Cuando se fue, me acomodé en la puerta de la tienda para leerlo yo también». 

Di Prima, que fue una de las pocas mujeres cuyo nombre logró despuntar dentro de la mítica generación, reconstruye a lo largo de estas memorias los inicios de aquel movimiento literario. «En Nueva Orleans acababa de salir la primera de las revistillas prebeat con el argot hip que todos utilizábamos con orgullo y devoción. Se llamaba Clímax y la editaba Bob Cass, un aventurero rubio y atractivo, que también se ocupaba de pasar los textos a máquina, imprimirlos y graparlos. Clímax mezclaba noticias de jazz y literatura. El jazz era para nosotros el arte más importante del momento». 

«El jazz era para nosotros el arte más importante del momento»

Fue entonces cuando escribió su primer libro de poemas, Los pájaros de esta especie vuelan hacia atrás –«Pete y Leslie me dijeron muy serios que sería imposible publicarlo porque nadie iba a entender ni una sola palabra de mi jerga callejera», ironiza–, en medio de una época completamente desoladora. «Sobrevivimos al horror de las elecciones de 1956, igual que habíamos sobrevivido al horror de las ejecuciones de los Rosenberg y la revolución húngara: paranoicos, pegados a la radio y sin parar de preguntarnos dónde podríamos exiliarnos», describe. 

La escritora habla de los años del miedo a la guerra nuclear, la planificación urbanística y las redadas secretas. Aumenta el consumo de drogas cocaína, opio y heroína.  «Nuestra mayor preocupación era mantenernos íntegros (dedicamos mucho tiempo y energía a definir el concepto de ‘venderse’) y mantener nuestra actitud cool: una claridad radical en medio de la aterradora indiferencia y el sentimentalismo que nos rodeaban –‘la sensiblería de los medios de comunicación’–, buscábamos consuelo, elogios y amor los unos en los otros, y nos cerramos al resto del mundo». 

Un Aullido de vanguardia

Era 1956 y Allen Ginsgberg acababa de entrar en escena con su poema Aullido, obra cumbre dentro del movimiento beat. «Sabía que el tal Allen Ginsgberg, quienquiera que fuese, nos había abierto nuevos caminos a todos nosotros por el mero hecho de publicar aquello –escribe–. Todavía no sabía que significaba, ni hasta dónde nos llevaría».

«El poema también me produjo cierta pesadumbre –continúa–. Se suponía que, si había una persona como Allen, tenía que haber más aparte de mis colegas, otros que también escribían lo que oían, escribían como hablaban, que vivían ocultos y marginados, escondiéndose aquí y allá, y que ahora, de repente, estaban a punto de hablar en voz alta. Tenía la impresión de que Allen solo era, solo podía ser, la vanguardia de algo mucho más grande».

No se equivocaba. Poco después Jack Kerouac publicaba En el camino y William S. Burroughs hacía lo propio con El almuerzo desnudo. La Generación Beat cambió la historia de la literatura en Norteamérica. La propia Di Prima, que termina estas memorias con el embarazo de su primer hijo –tendría otros cuatro a lo largo de su vida–, se consolidó como una voz fundamental dentro del movimiento. Ya instalada en San Francisco desde finales de los años 60, vivió en California hasta su muerte en 2020. A lo largo de su vida, publicó treinta libros de poesía y prosa entre los que destacan Revolutionary Letters y Loba.

La Municipalidad de Villa Mercedes informó la programación preparada para los próximos días, para que vecinos y turistas puedan conocer diferentes lugares de la ciudad.

Se trata de recorridos de parroquias y diferentes espacios culturales que muchas veces se conoce por imágenes pero no en forma personal.

Con reste objetivo es que se ha dispuesto el trabajo de Guías de Turismo, que estarán a cargo de los recorridos en los templos junto al personal de cada iglesia. Son actividades gratuitas.

Molotov está de regreso con “No olvidamos”, el primer sencillo de una nueva producción discográfica, en el que hace un repaso a los ocho sexenios presidenciales más recientes de México.

Tan directo como en sus inicios, el grupo liderado por Tito Fuentes dedica algunos versos para cuestionar el trabajo de cada presidente mexicano desde Luis Echeverría, hasta Andrés Manuel López Obrador y repite en el estribillo:

Que levante la mano si alguien de estos te ha ayudado, no olvidamos, aquí se lo recordamos”.

La canción se estrenó con su respectivo videoclip; un gran trabajo de de animación que recuerda a la caricatura periodística que, a través del humor y la ironía, señala problemas sociales especialmente acarreados por la clase política.

“No Olvidamos” fue escrita por Molotov y contó con el trabajo de Ross Robinson, productor estadounidense que ha trabajado al lado de bandas como Korn, Limp Bizkit, The Cure y Slipknot y ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

Molotov continúa trabajando en lo que será su séptimo álbum de estudio, a la par que continuará lanzando música y comenzará una nueva gira a través de Europa, Estados Unidos y México, además de fungir como teloneros en algunos de los conciertos de Guns N’ Roses.

 

 

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MOLOTOV

REDACCIÓN:

FERNANDO
GALLARDO