La muestra titulada "L'aimable cruauté", en español "La bondadosa crueldad", que se podrá visitar hasta fines de agosto, toma el nombre de un libro de poesías homónimo de Ferrari (1920-2013), en donde el artista advierte sobre una "crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad, que la oculta".  

Con una muestra titulada "L'aimable cruauté", en español "La bondadosa crueldad", el Centro Pompidou inaugura hoy la primera exposición dedicada a León Ferrari en Francia, una retrospectiva que reúne obras emblemáticas del artista argentino, recordado por su mirada crítica sobre la Iglesia, la política, el colonialismo y la violencia.

La muestra en el icónico espacio parisino, que se podrá visitar hasta fines de agosto, toma el nombre de un libro de poesías homónimo de Ferrari (1920-2013), en donde el artista advierte sobre una "crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad, que la oculta".

Entre las obras que integran la exposición figuran su más famosa, "La Civilización Occidental y Cristiana" (1965), la escultura de Cristo crucificado en las alas de un avión de combate estadounidense, en referencia a la guerra de Vietnam, así como también su serie "Nosotros no sabíamos" (1976), ese conjunto de recortes de notas periodísticas que denunciaban la desaparición de personas durante dictadura cívico militar en Argentina, régimen de facto en el que también su hijo Ariel fue desaparecido y el artista debió exiliarse en Brasil.

"Para nosotros era importante rendirle homenaje, y uno se da cuenta de la importancia que tiene, teniendo en cuenta la situación actual", dijo a la agencia de noticias AFP Nicolás Liucci-Goutnikov, uno de los curadores, a propósito del desembarco de Ferrari al prestigioso museo francés. El Pompidou, por su parte, invita al público a recorrer el proyecto creativo de un artista que "dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental", a través de un discurso "anticolonial" y "anticlerical", entre otras definiciones.

A lo largo de su carrera, León Ferrari construyó una obra que moviliza a las y los espectadores a tomar posición frente a la intervención artística, una obra que interpela, conmueve y enoja, marcada por la visibilización y la denuncia de la violencia, la exclusión, el disciplinamiento y la tortura. "El arte no es belleza ni novedad, sino eficacia y desorden", definió una vez el artista, en cuyas obras trabajó la escultura, la sonoridad, el collage, las instalaciones o los objetos, entre otros cruces y formatos.

De profesión ingeniero, escultor autodidacta, cosechó el reconocimiento local e internacional, que alcanzó su punto máximo en 2007, cuando fue elegido mejor artista en la Bienal de Arte de Venecia donde se le otorgó el "León de Oro", el mayor galardón de una de las bienales más prestigiosas del mundo.

Su obra se exhibió en el MOMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, España y en la Pinacoteca do Estado de San Pablo, Brasil.

Este miércoles se cumplen 110 años de la muerte del escritor irlandés Bram Stoker, célebre por haber escrito, hace 125 años, "Drácula", una novela que ha sido adaptada innumerables veces al cine y al teatro marcando un recorrido que va del terror a la estetización absoluta del miedo, una transformación que se puede leer en el viraje de la versión interpretada por Bela Lugosi en 1931 a la célebre producción de Francis Ford Coppola de cuyo estreno se cumplen también 30 años en este 2022.

A pesar de ser autor de dieciséis novelas, a Stoker solo se lo conoce por su obra de fantasía gótica, "Drácula". La novela fue publicada en español por Ediciones Hymsa en 1935, en la colección: "La novela aventura". La popularidad de su protagonista, un noble de Transilvania descendiente de Atila, no ha parado de crecer a través de los años. Al principio es un antiguo guerrero que fue alumno del diablo en Escolomancia, donde estudió los secretos de la naturaleza. Ya convertido en vampiro se muda a Londres, ciudad en la que engaña al joven comerciante Jonathan Harker, prometido de Mina, la protagonista femenina de la historia.

Stoker murió en Londres, el 20 de abril de 1912, antes de que su personaje vampiro alcanzara popularidad a través de numerosas películas y adaptaciones literarias. El escritor había nacido en 1847, en el número 15 de la calle Marino Crescent, en el barrio de Clontarf, al norte de Dublín, en un edificio de tres pisos de estilo georgiano con vistas al parque circular que hoy se llama Bram Stoker y está emplazado a espaldas de la bahía.

Hasta los siete años, por cuestiones de salud, el narrador debió estar postrado en la cama. Su madre y profesores privados le impartieron una temprana educación en su domicilio. Luego ingresó en el célebre Trinity College, donde en 1870 recibiría la matrícula de honor en matemáticas puras y en ciencias. En 1878, Stoker se casó con una exnovia de su amigo el escritor Oscar Wilde, Florence Balcombe. Días después se trasladaría definitivamente a Londres.

Su esposa, Balcombe, lo sobreviviría veinticinco años. Fue la albacea literaria de Stoker y quien vio la fama desmedida que empezaba a cobrar "Drácula". Se encontraba en una pésima situación financiera y no había dado permiso para la adaptación de la novela para que se realizara "Nosferatu", tampoco había recibido pago alguno por los derechos.

Este año, coincidente con los aniversarios de los 110 años de la muerte del autor, se celebran también 125 años de "Drácula" y treinta de la película de Coppola, pero además la versión alemana de Friedrich Wilhelm Murnau, "Nosferatu", cumple cien años. En 1922 la viuda había recibido un sobre con una carta anónima desde Berlín que incluía el programa de un reciente estreno cinematográfico, que había tenido lugar en el jardín de mármol del zoológico de Berlín. "Nosferatu" aparecía descrita en el folleto como "una adaptación libre de la obra Bram Stoker, 'Drácula'". El guionista, Henrik Galeen, había cambiado los nombres de los protagonistas y de los personajes y había modificado libremente ciertos puntos principales de la obra. Sin embargo, el parecido con la novela de Stoker no se alejaba en ningún momento del plagio.

Balcombe reclamó ser recompensada económicamente y, a la vez, que se destruya la obra. Este comienzo de vampirismo literario es el inicio de la fama del célebre monstruo.

Los abogados de la British Incorporated Society of Authors que representaban los derechos de Stoker ganaron la demanda, pero la productora alemana Prana-Film se declaró en quiebra, para evitar pagar los derechos. El fallo final, de julio de 1925, sentenciaba que debían entregársele todas las copias de la película, para ser destruidas. Sin embargo, las copias llegaron a proyectarse con éxito en Estados Unidos durante 1929.

La suerte de la fama de "Drácula" estuvo en mano de Balcombe, quien otorgó los derechos para una adaptación teatral a Hamilton Deane, que había sido su vecino en Dublín. La obra se estrenó en Derby en 1924. Tres años más tarde, Horace Liveright adquirió los derechos teatrales para Estados Unidos y contrató a John L. Balderston para adaptar la obra a los escenarios de Nueva York. La pieza estuvo durante un año en cartel en Broadway y se representó dos años más en una gira, rompiendo todos los récords anteriores de cualquier gira teatral en los Estados Unidos. Sin embargo, Liveright nunca llegó a pagar a la viuda por todos los derechos de la representación, ya que ella moriría, poco después, en 1937.

A partir de 1922, con el éxito de "Nosferatu", "Drácula" empieza un extenso y largo recorrido de adaptaciones. En 1923 "Drakula halála" es protagonizada por Paul Askonas y en 1931 el actor austrohúngaro Béla Lugosi la interpreta en el cine, dirigido por Tod Browning. La serie de adaptaciones son extensas, sobre todo en las décadas de los sesenta y setenta, con siete u ocho realizaciones por año.

El terror inicial que tenían estas adaptaciones se fue perdiendo con el paso del tiempo. Las nuevas obras intentan jugar con el humor, la parodia y la estetización del miedo. La cristalización del género, como sucedió también con el Frankenstein interpretado por Boris Karloff, no propició el declive del personaje, sino por lo contrario: alimentándose de su propia carnadura, rejuveneciéndose como su protagonista, la historia fue encontrando nuevo público en cada nueva obra.

En 1992, el exitoso y talentoso director de cine Francis Ford Coppola, ganador de varios Premios Oscar, sobre todo por "El Padrino", llevó al cine la historia como "Drácula, de Bram Stoker" protagonizada por Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves y Antony Hopkins. Ya en el título de la película aparece el homenaje (y el respeto) por el escritor. Resultó ganadora de tres premios de la Academia en la parte artística: diseño de vestuario, maquillaje y edición de sonido.

La película fue calificada por la crítica como la mejor adaptación de la novela original. A pesar de esto se censuraron veinticinco minutos de escenas violentas, incluyendo un desnudo de Winona Ryder.

La estetización del miedo con la película de Coppola logra su punto máximo. No es el guion ni la historia la que ganan los premios, sino la producción artística. Sucede lo mismo con varias puestas en escenas de óperas o musicales, incluso una que se repuso en nuestro país este año, "Drácula, el musical", escrito y dirigido por Pepe Cibrián con música de Ángel Mahler, y producido en 1991 por Tito Lectoure.

Del 1º de abril al 10, luego de treinta años, volvió al Luna Park para demostrar que el vampiro se rejuvenece con el paso del tiempo, abandonando esta vez el terror para pasar a inmortalizarse junto a su autor. Bram Stoker logró su cometido: inmortalizó a Drácula y en esa sencilla operación se inmortalizó a sí mismo.

Con 22 años de trayectoria y por primera vez en San Luis, la multipremiada agrupación mendocina subirá al escenario de la Sala Hugo del Carril, este miércoles a las 21:30, en el Centro Cultural “Puente Blanco”, con el espectáculo “Dementes, la rebelión de las neuronas”. La obra cuenta con el acompañamiento del Gobierno provincial.

“La Buena Moza” es una agrupación cooperativa y autogestionada que, en los últimos años, ha superado un promedio de 60 shows anuales. Se trata de 20 artistas en escena, 15 actores cantantes, 4 percusionistas y un director que despliegan un estilo de murga uruguaya, mediante un gran espectáculo conceptual, humorístico, y colorido, premiado en diversos teatros del país.

Con música original e ironía, “Dementes” plantea una crítica social sobre temas como las tecnologías, adicciones, adultez y la masculinidad hegemónica, entre otros.

“Cuando preparamos el guión, más allá de hacer indagaciones dentro del grupo para ver los ejes temáticos, vinculados a la realidad social, hicimos capacitaciones porque considerábamos que era necesario trabajar la perspectiva de género y es una responsabilidad de todos los artistas. En esa época éramos un grupo de 100% varones y tratamos de formarnos para comprender las lógicas del patriarcado, y cómo se manejan en la sociedad esos juegos de roles y poder. Queríamos una puesta humorística, pero que al mismo tiempo trabajara la reflexión social. También fuimos indagando en temas como la niñez y la hipercomunicación”, detalló el director musical, Daniel Bernal.

La murga ha compartido escenarios con Los Auténticos Decadentes, Jaime Roos, Rubén Rada, No Te Va Gustar, Orozco-Barrientos, entre otros, y ha participado en festivales de Uruguay y Chile.

Asimismo, este lunes a las 10:30, en la Secretaría de Cultura, se realizará la presentación oficial de la Fiesta Provincial del Teatro, que durante cinco días ofrecerá 15 obras en competencia y 3 invitadas en diferentes salas de la ciudad de San Luis.

Nota: Prensa Secretaría de Cultura.

Fotos: Gentileza La Buena Moza.

El mundo de la música se paralizó hace unas horas con la noticia del deceso de Eddie Van Halen. El cáncer se llevó a aquel chico de Ámsterdam que revolucionaría el rock con ese talento casi divino con la guitarra.

Hijo de músicos, formó en 1972 junto a su hermano Alex la banda Van Halen. Fueron los que convirtieron a California en la nueva capital mundial del rock. Se podría decir que gracias a ellos el rock terminó por convertirse en el género más popular del mundo y le pusieron la banda sonora a la década más entrañable de la historia: los ochentas.

Esto no es más que una recapitulación de 10 temas indispensables para conocer su trayectoria, legado y entender porque su partida sacudió al mundo:

10. Jump

No podríamos dejar de lado este tremendo clásico y quizá el tema más representativo de su banda. Es Jump todo lo que necesitabas saber para ponerte a hacer rock.

9. Hot for teacher

Este es un capricho personal, pero no deja de ser una de las piezas más representativas de la banda. Como comenté antes, es Van Halen el prototipo de todo lo que sería luego el Glam Metal. El rock jamás había sonado (y visto) tan sexual, y eso era genial.

8. You really got me

Esta versión del clásico de The Kinks permitió a Van Halen mostrarse al mundo. La voz de David Lee Roth, pero sobre todo la guitarra de Eddie, suenan especialmente increíbles esta vez.

7. Eruption

Demasiado se puede hablar de esta obra del disco homónimo de la banda. Pero me quedo con su versión en vivo, que, si bien es tan espectacular como en otros temas, el misticismo que emana esta versión en particular es totalmente envolvente. Una droga auditiva en todo el sentido de la palabra.

6. Panama

Lo sigo repitiendo. Es gran culpable Van Halen de que el rock se haya vuelto el más popular del mundo en su momento. Esta pieza del álbum 1984 fue top mundial y marcó el estilo de vida anhelado por los jóvenes de la época.

5. Dance the night away

Quizá el single más melódico de la banda. Se puede percibir toda la influencia recibida del hard rock inglés.

4. Sunshine of your love

Y si hablamos de influencias musicales, no podría dejar pasar este tremendo clásico escondido. Una performance del mismísimo Eddie haciendo un cover al tema más representativo de Cream, una banda que lo marcó de por vida.

3. The Top Gun theme

Eddie ha participado en innumerables proyectos, y el cine no le fue ajeno tampoco. Uno de los soundtracks más entrañables fue interpretado por él. Una exquisitez por donde se le escuche.

2. Beat it

Media hora en un estudio de grabación y directo al disco. ¿El resultado? Uno de los mejores riffs y solos de todos los tiempos.

1. Runnin’ with the devil

El primer single del primer álbum. En otras palabras, el tema que lo inició todo. Catalogada como una de las canciones más grandiosas de todos los tiempos, Runnin’ with the devil es con la que me quedo para recordar al gran Eddie. Gracias por todo.